Podstawowe zasady kompozycji w projektowaniu. Podstawowe zasady tworzenia harmonijnej kompozycji w projektowaniu. Istota pojęcia „harmonii”

Kompozycja- Ten prawidłowy układ elementów obrazu na podstawie analizy percepcji informacji wizualnej przez człowieka.

W każdej kompozycji znajduje się centrum uwagi, może ono pokrywać się z rzeczywistym centrum, czyli tym, które znajduje się na środku płótna, kartki papieru, monitora itp., lub może się z nim nie pokrywać, jednak to zawsze musi pasować do centrum kompozycji.

Co to jest centrum kompozycji?

To jest punkt uwagi, skupienie uwagi publiczności. Oto kilka przykładów, jak możesz przyciągnąć uwagę widza:

Uwagę natychmiast przykuwa drugi prostokąt, ponieważ ma inny odcień niż wszystkie pozostałe. To samo można zobaczyć w bardziej złożonych przykładach:

Zwróć uwagę, jak oko mimowolnie przylgnęło do obrazu dwojga dzieci w centrum, ich twarze i ubrania są znacznie jaśniejsze niż ich otoczenie, a także znajdują się w geometrycznym środku, co podwaja siłę przyciągania uwagi.

Podświetlanie

Artysta skupia się oczywiście na kobiecie, drzewo po lewej stronie zajmuje uwagę na ułamek sekundy, ale jest tam tylko po to, by „zrównoważyć” kompozycję. Artystka zrozumiała, że ​​może przykuwać do siebie zbyt wiele uwagi, dlatego wybrała odcień nieco mniej jaskrawy niż sukienka dziewczyny.

Rozmiar wyboru

Tutaj przykład nie jest najprostszy, bo celem artysty nie było utkwienie wzroku, ale przesunięcie go (w lewo i na horyzont), ale mimo to zaczynamy „czytać” obraz z lewej strony, największy statek, to on przyciąga pierwszego spojrzenia.

Wybór kształtu

Złożony obiekt składający się z wielu elementów na tle najprostszej geometrii - koła.

Mam nadzieję, że był to artykuł informacyjny, zgromadziłem w nim sama podstawa, fundamenty, które później staną się solidną podstawą do głębszego zrozumienia ludzkiej percepcji wzrokowej.

Podobało ci się? - Subskrybuj na mój kanał o designie i sztuce w Telegramie, aby nie przegapić nowych artykułów:

Twój projekt może zawierać jedne z najpiękniejszych elementów graficznych na świecie, ale jeśli nie ma odpowiedniej kompozycji, wszystko pójdzie na marne.

Dlatego można śmiało powiedzieć, że kompozycja w projektowaniu stron internetowych jest niezwykle ważna. Co to jest kompozycja? W prostych słowach, tak poszczególne elementy projektowania stron internetowych tworzą całościowy obraz projektu.

Właściwa kompozycja oznacza, że ​​aranżujesz, rozprowadzasz, koordynujesz i kompilujesz swój projekt w taki sposób, aby nie tylko dobrze wyglądał, ale był również funkcjonalny i wydajny. Przyjrzyjmy się więc kilku sztuczkom, które pomogą Ci stworzyć harmonijną kompozycję w Twoim projekcie internetowym.

Kluczowym elementem każdej dobrej kompozycji jest odpowiednie ukierunkowanie (skupienie) wzroku użytkownika na najważniejszych elementach projektu.

Wybierając punkt centralny, pamiętaj, że głównym celem Twojego projektu jest „komunikowanie” użytkownika z witryną. Właściwy dobór ostrości decyduje o skuteczności takiej komunikacji.

Istnieje kilka metod definiowania ostrości w projekcie, takich jak skala, kontrast i tak dalej. Omówimy te metody później. Przeanalizujmy teraz przykład.

Jest to praca Matthew Metza dla sklepu odzieżowego Nordstrom, więc skupiamy się na modelce i jej ubraniach. Dlatego została umieszczona w centrum, a pomarańczowe kółko zostało umieszczone w taki sposób, aby podkreślić i zwrócić uwagę na jej twarz, a następnie na strój. Ponadto obraz zawiera białe linie prowadzące, które kierują wzrok użytkownika na informacje tekstowe poniżej.

Również w poniższym przykładzie projektu. Uwaga skupia się na osobie w środku. Osiąga się to nie tylko poprzez umieszczenie postaci w centrum, ale także „obramowanie” jej grafiką, składającą się z ręcznie rysowanych obrazków.

Prowadź oczy za pomocą linii pomocniczych

Kiedy chcesz, żeby ktoś gdzieś spojrzał, wskazujesz ręką lub palcem. W przypadku projektowania stosuje się do tego wiodące linie i kształty. Zobacz, jak jest używany w poniższym przykładzie.

Wiodące (przewodnicze) linie mogą również prowadzić do różnych poziomów informacji. Umieszczając i zmieniając wygląd i kształt linii prowadzących, możesz stworzyć hierarchię celów dla wzroku użytkownika. Przykład takiego podejścia znajduje się poniżej.

Oczywiście nie każdy projekt, który tworzysz, ma tak oczywiste wytyczne. Ich zastosowanie osiąga się poprzez łączenie lub łączenie różnych elementów. Przykładem tego jest poniższy plakat, który wykorzystuje linię lewej ręki osoby, aby poprowadzić wzrok od logo do osoby iw dół do dolnej części plakatu.

Skala i hierarchia kompozycji

Skala i hierarchia to podstawowe elementy, które mogą naprawdę wpłynąć na cały projekt. Dlatego bardzo ważne jest, aby je kontrolować, aby uzyskać dobry skład.

Hierarchia to układ elementów w projekcie, który wizualnie charakteryzuje ich znaczenie. Na przykład ważniejsze elementy są większe i czasami jaśniejsze niż drugorzędne. Hierarchia ma duże znaczenie, zwłaszcza jeśli chodzi o typografię.

Skala jest często używana do pokazania hierarchii, kierowania uwagi na ważne elementy, a tym samym oznaczania ich znaczenia w przekazywaniu informacji. Skala jest również używana do oddania proporcji i poczucia rozmiaru projektu. Możesz tworzyć elementy niezwykle szczegółowe, skomplikowane i małe lub duże i ogólne.

Na przykład poniższy plakat przedstawia pomniejszone sylwetki dwóch osób, aby oddać wspaniałość widoku przed nimi.

Korzystając z kontrastu skali elementów, możesz tworzyć różne efekty.

Równowaga elementów

Równowaga jest ważna pod wieloma względami. Twoje projekty nie są wyjątkiem.

Ale jak znaleźć tę idealną równowagę w naszych projektach? Aby to zrobić, rozważ dwa ogólne typy równowagi.

symetryczna równowaga. Tworzy symetrię w projekcie. Układając ważne elementy od prawej do lewej, od góry do dołu, tworzysz właściwe poczucie równowagi dla użytkownika.

Równowagę asymetryczną uzyskuje się poprzez proporcjonalne rozproszenie i skalowanie elementów.

W powyższym przykładzie trzy środkowe okręgi są największe w projekcie. Są one jednak równoważone przez zastosowanie odpowiedniej typografii, linii wiodących oraz małego, ale dobrze narysowanego okręgu w lewym dolnym rogu.

Dobrym sposobem na stworzenie asymetrycznej równowagi jest wyobrażenie sobie, że każdy element ma rzeczywistą wagę. Małe przedmioty ważą mniej, duże odwrotnie. Można sobie również wyobrazić, że na wagę wpływa ostrość tekstury przedmiotu (bardziej krucha waży więcej). Tym samym ułożenie elementów tak, aby nie przeważały nad sobą.

Używaj elementów, które się uzupełniają.

Czy słyszałeś o kolorach uzupełniających w projektowaniu stron internetowych? A co z dodatkowymi elementami?

Dobrą i efektowną kompozycję uzyskuje się wtedy, gdy każdy element uzupełnia się z innym, tworząc całościowy obraz. Częstym błędem przy komponowaniu jest wybieranie zdjęć, które do siebie nie pasują. Dlatego używając kilku obrazów w kompozycji, staraj się, aby były one połączone. Aby to zrobić, musisz przestrzegać kilku wskazówek

• Wykorzystaj zdjęcia z jednej sesji zdjęciowej;
• Pokoloruj swoje zdjęcia jednym tonem;
• Użyj zdjęć zrobionych w jedną stronę.

Zwiększ (zmniejsz) kontrast

Kontrast to niezwykle przydatne narzędzie do wskazywania znaczenia elementów w projekcie internetowym. Zwiększając kontrast lub używając kontrastowego koloru, możesz wysunąć element na pierwszy plan lub go „ukryć”.

Pozostaw puste miejsce w projekcie

Biała przestrzeń w projekcie, jeśli jest właściwie używana, może pomóc zwiększyć „przejrzystość” projektu i poprawić ogólny wygląd poprzez zrównoważenie bardziej złożonych i żywych elementów projektu.

Oto kilka sposobów wykorzystania białych znaków w projekcie:

1. Zmniejsz skalę elementów graficznych;
2. Nie wypełniaj całej przestrzeni treścią.

Wyrównanie elementów

Tworząc elementy w projekcie, nigdy nie należy po prostu wrzucać ich wszystkich na stronę naraz, ponieważ wyrównanie elementów to szybki i łatwy sposób na zmianę projektu z przeciętnego na elegancki.

Wyrównywanie elementów umożliwia utworzenie logicznej kolejności w projekcie internetowym, w której rozmieszczone jest wiele elementów.

Podstawy kompozycji w projektowaniu graficznym obejmują wiele aspektów, które mogą prowadzić do świetnych rezultatów.

Harmonia (grecki Harmonia - połączenie, harmonia, proporcjonalność) - proporcjonalność części, połączenie różnych elementów obiektu w jedną organiczną całość, cecha piękna. W projektowaniu harmonia to zgodność elementów składających się na kompozycję. Każdy element projektu powinien uzupełniać inny kolor, kształt, rozmiar, teksturę, strukturę. Jeśli w projekcie panuje harmonia, jego temat jest bardzo łatwy do zauważenia, może być wyrafinowany, romantyczny, wyzywający, szokujący, chwytliwy, zabawny itp. Każda kompozycja projektowa opiera się na pewnych zasadach, w przeciwnym razie nie będzie postrzegana jako coś harmonijnego, całościowego.

Kompozycja (od łac. compositio) - kompilacja, oprawa. Jest to systematyczne, ściśle określone łączenie obiektów, które projektant przekazuje w swojej pracy. Kompozycja zawsze ma określoną treść, charakter, cel.

Pomysł jest podstawą, planem całej przyszłej kompozycji. Początek projektu to pomysł, który trzeba dobrze przemyśleć, zanim zacznie się szukać nowej formy. Często idea jest przekazywana w tytule kompozycji. Swoje nazwy mają nie tylko obrazy, rzeźby, ale także kompozycje oryginalnych elementów wyposażenia wnętrz. Tytuł każe widzowi zatrzymać się przy kompozycji, przyjrzeć się bliżej i odkryć to, czego na początku nie zauważył, a także dodać nową gamę doznań do swojej pierwszej reakcji. Na Wschodzie różne elementy wyposażenia wnętrz są bardzo często zdobione frazami pisanymi kaligraficznym pismem.

Aby zrealizować swój pomysł na konkretnym obrazie, musisz mieć pewne zasady, prawa, techniki, które pozwolą ci stworzyć harmonijną kompozycję.

Podstawowe pojęcia projektowania i kompozycji

Oznaki kompozycji: integralność, obecność dominanty, równowaga.

Rodzaje kompozycji: zamknięta, otwarta, symetryczna, asymetryczna, statyczna, dynamiczna.

Formy kompozycyjne: centryczne, liniowo-taśmowe, płaskie, wolumetryczne, przestrzenne, kombinowane.

Elementy kompozycji: przestrzeń, linia, plama (punkt), kształt, kolor, światło i cień, faktura i tekstura.

Kompozycyjne oznacza: powtórzenie, grupowanie, nałożenie i wstawienie, artykulację, gradację, rytm, dominantę, kontrast, niuans, skalę, format, proporcję, konstrukcję, kontrapunkt, trójskładnikowość, prostotę, stylizację.

KOMPOZYCJA

Cechy kompozycji

Uczciwość

Jeśli kompozycja wyróżnia się w otaczającej przestrzeni jako całości, możemy mówić o jej integralności

Wszystkie elementy projektu powinny być rozmieszczone w taki sposób, aby kompozycja była jak najbardziej wyrazista, integralna i nie zawierała części, które byłyby sprzeczne z funkcjonalnością, konstruktywnością i estetyką. Wszystkie elementy powinny działać na rzecz wspólnej idei. Często, aby zachować jedność, projektant musi zrezygnować z pięknego i ciekawego detalu, jeśli jest to sprzeczne z intencją. Integralność projektu jest określona przez następujące zasady:

1. Żaden dodatkowy element nie może być dodany do całości bez uszkodzenia całości.

2. Nie można zamieniać głównych i mniejszych części bez uszkodzenia całości.

3. Żadna część nie może być usunięta lub wymieniona bez uszkodzenia całości.

Obecność dominującej (strefy ogniskowej)

Strefa ogniskowa to centrum wizualnego zainteresowania, największy akcent, główny element kompozycji, który od razu rzuca się w oczy. To on obsługuje wszystkie pozostałe elementy drugorzędne, kierując wzrokiem widza. To jest centrum semantyczne. Często ognisko składa się z największych i najjaśniejszych elementów i stanowi środek równowagi. Z reguły elementy centralne są umieszczane na pierwszym miejscu w projekcie. Obszar ogniskowania nie powinien być tak duży, aby wypełniał całą kompozycję. W żadnym wypadku koncepcja środka kompozycji nie jest kojarzona tylko z jej środkiem geometrycznym. Koncentracja kompozycji może znajdować się zarówno w tle, jak iw pobliżu, najważniejsze jest to, aby elementy drugorzędne prowadziły oko do kulminacji obrazu, podporządkowując się sobie. I to właśnie strefa ogniskowa determinuje całą ideę kompozycji, czyni ją wyrazistą.

Ekspresyjność w projekcie najdokładniej i wyraźnie ujawnia intencję. Będąc kategorią twórczą, ekspresja rodzi się za pomocą wszelkich środków kompozycji. Przejawia się dopiero w gotowym dziele, będąc finalnym produktem kompozycji, jej celem, szczytem.

Równowaga (równowaga)

Określenie „równowaga” odnosi się zarówno do wizualnej stabilności kompozycji, jak i do jej stabilności fizycznej. Kompozycja musi być stabilna w sensie dosłownym i nie rozpadać się. Równowaga wizualna jest bardziej złożoną koncepcją. Oczywiście kompozycje symetryczne są początkowo wyważone. Ale często oryginalny projekt nie ma osi ani środka symetrii. Równowagę tworzy się poprzez odpowiednie ułożenie elementów i ich kolorystykę w kompozycji. Dobrą równowagę w projektowaniu można osiągnąć poprzez

poprawne ułożenie przedmiotów o różnej wadze wizualnej. Bardziej „ciężkie” (większe i ciemniejsze, bardziej szorstkie) elementy umieszczane są zwykle bliżej środka kompozycji, a bardziej „jasne” (mniejsze i jaśniejsze) – bliżej krawędzi. Kompozycję można zrównoważyć pojedynczym punktem umieszczonym we właściwym miejscu. Co więcej, im jaśniejszy kolor, tym mniejszy będzie punkt równoważenia.

Jeśli usuniesz jeden z elementów, kompozycja rozpadnie się zarówno fizycznie, jak i wizualnie – stanie się niedokończona, fragmentaryczna. Dlatego równowaga, kompletność - podstawa harmonijnej kompozycji.

Rodzaje kompozycji

kompozycja zamknięta

W zamkniętej kompozycji wszystkie elementy wydają się zamykać w sobie. Wzrok widza przesuwa się z ogniska kompozycji na peryferie, wracając poprzez inne drobne elementy ponownie do ogniska, czyli dąży z dowolnego miejsca w kompozycji do jego centrum. Wszystkie elementy kompozycji są ze sobą ściśle powiązane. Zamknięta kompozycja charakteryzuje się obecnością pól, precyzyjnymi granicami i ramami.

kompozycja otwarta

W kompozycji swobodnej nie ma skupienia wzroku na centrum kompozycji. Spojrzenie swobodnie wychodzi poza granice kompozycji, kontemplując ciąg dalszy. Może to być kompozycja odśrodkowa - wizualnie tworzy efekt ruchu translacyjnego lub ślizgania się po spirali

Kompozycja symetryczna Główną cechą takiej kompozycji jest symetria, która tak mocno „trzyma” całą kompozycję, co jest podstawą jej integralności. Łatwo jest zbudować taki układ – wystarczy nakreślić granice i oś symetrii. Symetria odpowiada jednemu z praw natury – pragnieniu stabilności, dlatego symetryczne kompozycje są harmonijne i zrównoważone. Ale są statyczne, często nieciekawe, brakuje im dynamiki i rozwoju.

Asymetryczna kompozycja

Kompozycja asymetryczna nie zawiera osi ani punktu symetrii. Jest bardziej złożony w konstrukcji, ponieważ autor musi zwrócić szczególną uwagę na równowagę jako niezbędny warunek prawidłowego wykonania harmonijnego projektu. Ale taka kompozycja jest wyrazista, dynamiczna, ciekawa.

Skład statyczny

Kompozycje tego typu są stabilne wizualnie, nieruchome, często symetrycznie wyważone. Mogą być głębokie, filozoficzne lub ciężkie, nudne, zamrożone, „martwe”.

dynamiczna kompozycja

Impuls, ruch, otwartość – to cechy kompozycji dynamicznej. Szybkość, kalejdoskop obrazów, presja, szybkość, upływ czasu, nowość, chęć zburzenia ustalonej równowagi. Wizualnie takie wrażenia powstają dzięki asymetrii, otwartym granicom. Kompozycje dynamiczne są bardziej złożone, bardziej indywidualne. Od mistrza wymagane jest szczególne wyczucie harmonii, aby taka kompozycja była kompletna i zrównoważona.

Formy kompozycji

Kompozycja kropek

W kompozycji punktowej (centrycznej) zawsze widoczny jest środek, z którego jej składowe mogą się rozpraszać lub przyciągać. Tutaj ostrość jest głównym elementem porządkującym obraz.

Kompozycja planarna (frontalna).

Taka kompozycja zakłada, że ​​cała płaszczyzna arkusza jest wypełniona obrazem. Nie ma osi, a środek symetrii, wyraźne skupienie, nie wydaje się być zwarty.

Skład wolumetryczny

Percepcja kompozycji objętościowej odbywa się pod wieloma kątami, w trzech wymiarach przestrzeni. Integralność kompozycji oceniana jest z kilku punktów widzenia i nie da się jej w pełni uchwycić jednym spojrzeniem. Wyjątkiem jest relief, który jest formą pośrednią, w której światłocień wolumetryczny pełni rolę kreski i plamy. Kompozycja objętościowa jest wrażliwa na oświetlenie, na kierunek światła. Światło i cień odgrywają tu szczególną rolę.

Kompozycja przestrzenna

Za kompozycję przestrzenną uważa się harmonijne rozmieszczenie wolumetrycznych elementów artystycznych i dekoracyjnych w przestrzeni. Tutaj ważną rolę odgrywa aktywne wykorzystanie przestrzeni między poszczególnymi obiektami, gra światła i cienia, objętości i koloru. Jednocześnie każdy element projektu powinien być przedstawiony z najkorzystniejszych stron i służyć ogólnej idei dekoratora.

Środki złożone

Wiele zjawisk naturalnych charakteryzuje się naprzemiennością i powtarzalnością. Symetria to powtórzenie. Prawo powtarzalności w projektowaniu pojawia się, gdy pewne elementy (linie, kształty, tekstury, kolory) są używane więcej niż raz. Powtarzanie tworzy poczucie porządku. Proste powtórzenie składa się z jednego powtarzającego się elementu. Złożony - w kompozycji powtarzają się elementy dwóch lub więcej typów (kolor, wzór, linie itp.). W zależności od sposobu organizacji elementów w projekcie, powtórzenia mogą mieć różne kierunki: pionowy, poziomy, ukośny, spiralny, promieniowo-belkowy, wachlarzowy. W każdym przypadku pojawia się nowy charakter ruchu, a co za tym idzie nowy dźwięk, szczególna ekspresja. Poziome powtórzenie to stabilność i równowaga; pion - harmonia, wysokość; ukośna, spiralna - aktywny, szybki ruch.

Powtórzenie może być regularne (ta sama częstotliwość powtórzeń) lub nieregularne, co jest bardziej interesujące, ponieważ pozwala oczom porównać małe zmiany.

grupowanie

Jedna z najczęstszych technik komponowania kompozycji Za pomocą grupowania można skoncentrować elementy w jednym miejscu i kolejno rozmieścić je w innym, podkreślając centrum kompozycji. Stwórz asymetryczną równowagę, daj ruch lub stwórz wrażenie bezruchu. Możesz grupować plamy, linie, kropki, części cienia i światła, rozmiary figur, ich fakturę itp. - wszystko to, co wizualnie różni się od siebie.

Nakładka i wstawka

Układanie elementów lub ich fragmentów jeden pod drugim, częściowe nakładanie się sylwetek. Jest to technika niezbędna przy kompozycjach przestrzennych, a także przy przekazywaniu planów bliskiego, średniego i dalekiego zasięgu, perspektyw liniowych i lotniczych. Specjalny efekt uzyskuje się, gdy zmiana koloru, kontrastu i skali jest stosowana jednocześnie z usuwaniem planów.

dział

Technika partycjonowania wydobywa szczegółową strukturę kompozycyjną z dużej i monotonnej powierzchni. Podział ma szerokie zastosowanie w architekturze i dekoracji wnętrz.

stopniowanie

Gradacja występuje, gdy dwa lub więcej identycznych elementów zmienia się w górę lub w dół przy każdym powtórzeniu. Jednocześnie projektant zmusza oko do śledzenia tego procesu, co tworzy dynamikę i jasność obrazu. Gradacja może objawiać się w następujących formach:

Rozmiar naprzemiennych elementów zmienia się przy zachowaniu odstępów między nimi; wielkość elementów zostaje zachowana, ale zmieniają się interwały

Między nimi; zmienia się zarówno rozmiar elementów, jak i odstępy między nimi;

Gradacje kolorów od jasnego do ciemnego, od jednego tonu do drugiego;

Zmiana krzywizny linii lub ich nachylenia. Linia, kształt, kolor, faktura, przestrzeń są często używane w gradacji.

Rytm to regularna przemiana, czyli konsekwentna zmiana elementów, powtórzenie, prowadzące do harmonii i nadające projektowi harmonię i przejrzystość. Rytm przyczynia się do organizacji elementów, wyznacza dynamiczny rozwój. Rytm to efekt ruchu w kompozycji, który można uzyskać poprzez zmianę formy lub koloru, zmianę wielkości elementów kompozycji. Rytm jest dynamicznym elementem projektu projektowego. Wewnętrzna ekspresja energetyzuje widza, przynosi radość, inspirację. Monotonia sprawia, że ​​kompozycja jest nudna i nieciekawa. Całe życie natury przesiąknięte jest rytmami: dobowym, księżycowym, rocznym, słonecznym, falami morskimi, grzbietami pustynnych piasków, migotaniem gwiazd we wszechświecie, rytmami alfa i beta ludzkiego mózgu – wszystko to pulsuje natura . Artyści starożytni starali się z wyczuciem uchwycić ten rytm i ucieleśnić go w ornamentach. Tak więc egipski ornament z wizerunkiem lotosu jest ciągłą linią życia, łączącą wszystkie fazy jego rozwoju: pączek (narodziny), kwiat (rozkwit), łodyga (połączenie), krople (przodki życia). Ornamenty tworzone w różnych krajach w różnym czasie często mają podobne konstrukcje geometryczne. A jednocześnie każdy przekazuje indywidualne cechy kultur, które je zrodziły. Patrząc na koła, krzyże i fale starożytnych ornamentów naszymi oświeconymi oczyma, postrzegamy je jako stylową dekorację przedmiotów etnicznych. Chociaż dla ich twórców - ówczesnych projektantów, znaki te miały określone znaczenie. Nie były to tylko rysunki, ale symbole, znaki, za którymi kryła się pewna percepcja otaczającego świata.

Dominujący

Pewny obszar projektu musi przyciągać uwagę, inaczej wzrok widza będzie wędrował niespokojnie i nie zatrzyma się na niczym, co stworzy napięcie, poczucie niekompletności. Dowolny element projektu może być użyty jako dominanta (fokus). Skupienie to zwrócenie uwagi na określone miejsce. Kiedy jest kilka jasnych elementów, cech, oczy są odwracane od głównej idei w poszukiwaniu najważniejszego szczegółu, na którym można się skoncentrować.

Kompozycja nie może być wyrazista, jeśli nie jest zaakcentowana, gdy główne elementy składowe znajdują się w jednakowej odległości od siebie lub elementy dodatkowe rozmieszczone są w regularnych odstępach. Elementy znajdujące się w tej samej płaszczyźnie iw tej samej odległości tworzą monotonną, nienaturalną kompozycję. Dlatego dużą wagę przywiązuje się do tego, aby elementy składowe nie znajdowały się w tej samej płaszczyźnie, ale tworzyły wrażenie objętości i różnorodności. Monotonię tworzy również jasno określony punkt centralny. Kompozycja, w której główny element jest dokładnie pośrodku, jest nudna. Jeśli przesuniesz go trochę w bok, pojawi się dynamika.

Kontrast i niuans

Kontrast - (francuski kontrast), wyraźne przeciwieństwo. O wyrazistości wielu kompozycji często decyduje kontrast – wyraźna opozycja dwóch zasad. Światło i cień, objętość i płaskość, duże i małe, czarno-białe, matowe i błyszczące. Kontrast jest bardzo wyrazisty, bo to intryga, zderzenie, początek procesu, wyeksponowanie na tle ogólnym działalności, autorytaryzmu. Jeśli kompozycja ma przyciągać uwagę, tworzyć świąteczny nastrój, aktywować, szokować, śmiało sięgaj po kontrasty. Jednocześnie kontrast, będąc bardzo aktywnym środkiem percepcji, może powodować zmęczenie, irytację i agresję. W dużych ilościach jest po prostu nie do zniesienia. Dlatego przy stosowaniu kontrastu należy przestrzegać miary.

Nuance (francuski niuans) - cień, subtelna różnica, ledwo zauważalne przejście koloru, myśli, dźwięku. Używając miękkich, subtelnych różnic, możesz stworzyć elegancką szlachetną kompozycję. To najcieńszy i najdelikatniejszy ze środków kompozytowych.

Skala to stosunek całej kompozycji projektu do otaczających go obiektów. Konieczne jest dokładne przemyślenie celu kompozycji, miejsca, w którym będzie się znajdować, a dopiero potem określenie jej projektu i skali. Inaczej będzie wyglądać groteskowo.

Proporcja

Proporcja to wielkość każdego elementu kompozycji w stosunku do pozostałych, jak i do całej kompozycji. Proporcję można porównać do składników przepisu, które należy przyjąć w określonej proporcji. A najważniejsze jest, aby danie nie było bez smaku ani nie było przesolone.

Projekt

Projekt określa parametry kompozycji, jej wysokość, szerokość, głębokość. Najpierw projektant przedstawia swoją kompozycję w jej gotowej formie. Następnie zastanawia się nad sposobami jego budowy. I dopiero wtedy należy przystąpić do wykonania, po uprzednim przygotowaniu wszystkich środków pomocniczych i niezbędnych materiałów.

Trójskładnikowy

Dla przekonującego wyrażenia złożonego i różnorodnego ruchu konieczne jest pokazanie w kompozycji trzech faz tego ruchu (trzy różne rozmiary, trzy różne odstępy między elementami). Liczba „trzy” to minimalna liczba, która pozwala wystarczająco jasno określić różnorodność dowolnego zjawiska.

Prostota

Maksymalna perswazyjność i wyrazistość obrazu powinna zostać osiągnięta minimalnymi środkami przy maksymalnym określeniu szczegółów.

Stylizacja

Stylizacja to uogólnienie i uproszczenie przedstawionych postaci. Stylizując, projektant ujawnia dekoracyjny wzór form, odrzuca wypadki, upraszcza detale, podkreśla to, co najważniejsze, znajduje rytmiczną podstawę. Naturalne formy są zbyt przeładowane nieistotnymi szczegółami, przypadkową plastycznością, obfitością niuansów kolorystycznych, które odwracają uwagę od intencji kompozycji.

Tworzenie.

Forma w projektowaniu to wewnętrzna organizacja struktury produktu, najwyraźniej wyrażająca treść, forma musi odpowiadać przeznaczeniu, właściwościom technicznym, wymaganiom ergonomicznym i estetycznym dla produktów. Głównymi kryteriami tworzenia kształtu produktów gospodarstwa domowego są właściwości użytkowe, a także estetyka i moda. Podstawowymi właściwościami formy są materialność i charakter umiejscowienia w przestrzeni. Forma materiału jest warunkowo nazywana objętością. Powierzchnia twarzy, linie, punkty objętości to geometryczne elementy formy.

Harmonijna forma produktu to taka forma, w której osiągana jest wszechstronna harmonia: zewnętrzna i wewnętrzna, części i całość, z osobą mającą podłoże materialne z otoczeniem.

Obiekt powinien być uformowany jak najbardziej zwięźle, z oszczędnością środków dekoracyjnych. Lakoniczna forma jest oznaką racjonalnego zaprojektowania i udanego wykorzystania materiału.

Rozwiązanie projektowe produktów odbywa się za pomocą kształtowania. Kształtowanie to twórczy proces tworzenia kształtu produktu w oparciu o uwzględnienie najważniejszych obiektywnych czynników, a także wzorców kompozycji. Proces kształtowania wyrobu przebiega w określonej kolejności. Ta kolejność - struktura jest całkiem naturalna i jest przedstawiona w następujący sposób:

Rozpoznanie charakteru objętościowej struktury przestrzennej i wzorców technicznych;

Osiągnięcie proporcjonalności całości i części;

Udoskonalenie plastyczności zewnętrznego kształtu produktu.

Kształtowanie służy jako narzędzie do materializacji obiektu projektowego.

Kompozycja jest jednym z najważniejszych środków tworzenia formy artystycznej w sztuce, bez której nie można wyrazić treści dzieła, znaczenia formy artystycznej.

Zapewne nie raz zwracałeś uwagę na obrazy, i to niekoniecznie fotograficzne, które niezależnie od treści cieszą oko. Zwykle można je odwrócić do góry nogami, odbić w lustrze, a czasem nawet odbarwić bez naruszania atrakcyjności wizualnej. Co tłumaczy taką „stabilność” percepcji emocjonalnej? O fotografiach o podobnych właściwościach mówi się, że mają wizualną harmonię, a powodem tego jest specjalny układ elementów w całym polu obrazu, czyli harmonijna kompozycja. Słowo kompozycja pochodzi od łacińskiego сompositio - „sporządzanie”. Zasady kompozycji artystycznej zostały opracowane w starożytności i od tego czasu niewiele się zmieniły. Są na tyle uniwersalne, że widz bez względu na wiek, płeć, rasę i wyznanie jest w stanie odróżnić mocną kompozycję od słabej. Harmonijna kompozycja może mieć różne podstawy przestrzenne: proporcje, symetrię, rytm, kontrast, perspektywę...

Najważniejszą rzeczą do zapamiętania jest to, że kompozycja jest najważniejszym elementem formy sztuki, nadając dziełu jedność i integralność.

Kompozycja jest jednym z najważniejszych środków tworzenia formy artystycznej w sztuce, bez której nie można wyrazić treści dzieła, znaczenia formy artystycznej. W tej lekcji przyjrzymy się zasadom pracy z kompozycją.

Konstrukcja kompozycyjna obejmuje:
- doprecyzowanie centrum kompozycji i podporządkowanie mu innych części utworu;
- połączenie poszczególnych części dzieła w harmonijną całość;
- podporządkowanie i grupowanie w celu uzyskania wyrazistości i integralności plastycznej dzieła.

O DZIEDZICTWIE STAROŻYTNYCH GRECKÓW

Doktryna harmonii wywodzi się ze starożytnej Grecji. Pitagorejczycy pozostawili najgłębszy ślad w kulturze światowej. Zwolennicy Pitagorasa przedstawiali wszechświat, w tym człowieka, jako jedną całość, w której wszystko jest harmonijnie połączone. Próbując matematycznie uzasadnić ideę jedności świata, pitagorejczycy argumentowali, że wszechświat opiera się na symetrycznych kształtach geometrycznych. Właściwie wprowadzili pojęcie proporcji jako podstawy harmonii. Opierając się na proporcjach ludzkiego ciała, zwolennicy Pitagorasa zatwierdzili matematyczny kanon piękna, zgodnie z którym rzeźbiarz Poliliklet stworzył posąg „Kanon”. Istnieją różne rodzaje proporcji, ale dla nas najważniejszy jest szczególny przypadek proporcji geometrycznej, zwany „złotym podziałem”: a:b=b:(a+b). Odcinek a jest powiązany z większym odcinkiem b w taki sam sposób, jak b jest powiązany z odcinkiem o całkowitej długości a+b. Stosunek złotego podziału wyraża się liczbą 0,618. Jeśli odcinek linii prostej zostanie wyrażony w jedności, a następnie podzielony na dwa odcinki zgodnie ze złotym podziałem, to większy odcinek będzie równy 0,618, a mniejszy - 0,382.

Na płaszczyźnie złoty podział to prostokąt o bokach w stosunku 1:0,618, który można uzyskać za pomocą konstrukcji geometrycznej pokazanej na ryc. 1.

Jeżeli boki AB i AD prostokąta ABCD są ze sobą powiązane proporcjonalnie do złotego podziału, w przybliżeniu 5:8 (co jest bardzo zbliżone do rozmiaru ramki 35 mm), a odcinek CE jest prostopadły do ​​przekątnej BD, to rzut z punktu E na bok AD dzieli go w tej samej proporcji, czyli FD:AF=5:8. Jeśli ułożysz elementy strukturalne obrazu w powstałych trójkątach, a przekątne wzdłuż segmentów oddzielających, wynik będzie cieszył oko, bez względu na to, czym te trójkąty są wypełnione (ryc. 2). Kompozycja ukośno-trójkątna jest często spotykana w fotografii krajobrazowej (fot. 1).

Uproszczonym zastosowaniem złotego podziału jest zasada trójpodziału. Jest to przydatne przybliżenie w praktyce, ponieważ jest zbudowane znacznie prościej niż złoty podział iw większości przypadków działa nie mniej wydajnie. Zgodnie z zasadą trójpodziału, harmonijną kompozycję tworzy się poprzez umieszczenie elementów konstrukcyjnych w punktach przecięcia linii dzielących pole obrazu na dziewięć prawie równych prostokątów.

......................................................................................................................................................

Budując kadr, należy pamiętać o różnicy między percepcją żywego oka a nieożywionej soczewki i starać się uważnie monitorować nie tylko obiekt, ale wszystko, co znajduje się w wizjerze podczas komponowania obrazu.

......................................................................................................................................................

KOMPOZYCJA I PERSPEKTYWA

Jak pamiętacie z wykładu o właściwościach układów optycznych, obiektywy dzielą się na trzy kategorie: krótkiego rzutu (szeroki kąt), normalnego i dalekiego rzutu (teleobiektywy). Powiedzieliśmy już, że każdy z nich charakteryzuje się pewnymi zniekształceniami perspektywy, które wynikają z umiejscowienia tzw. punktu zbiegu. Co to jest punkt zbieżności, można łatwo zrozumieć, wyobrażając sobie serię identycznych obiektów w równych odległościach od siebie, rozmieszczonych wzdłuż osi optycznej. Dobrym przykładem może być rząd słupów wzdłuż drogi prowadzącej w dal. Pierwszy filar obok ciebie będzie duży, drugi mniejszy, trzeci jeszcze mniejszy i tak dalej. Jeśli dwie wyimaginowane linie proste zostaną poprowadzone przez podstawy i wierzchołki filarów, to przetną się dokładnie w punkcie zbieżności. Znajdująca się w nim kolumna nie ma widocznych wymiarów liniowych, czyli zamienia się w punkt dla widza (fot. 2). Obiektywy szerokokątne przybliżają punkt zbieżności, co oznacza, że ​​obiekty znajdujące się blisko aparatu będą wydawały się przesadnie duże, a te znajdujące się dalej – za małe. Dzięki temu obraz jest dynamiczny niezależnie od tematu (fot. 3).
Natomiast teleobiektywy usuwają punkt zbieżności, a odległości między obiektami leżącymi na osi nierównoległej do płaszczyzny kadru (lub, jak mówią, w różnych planach), wydają się mniejsze niż w rzeczywistości Czy. Zrozumienie opisanych powyżej właściwości daje fotografowi możliwość budowania złożonych, tzw. obrazów wielopłaszczyznowych.

O WIZJI W TUNELACH

Może wydawać się zaskakujące, jak wiele fotografii amatorskich jest skonstruowanych dokładnie w ten sam sposób: główny obiekt znajduje się dokładnie w centrum kadru, zajmuje tam około jednej dziesiątej całkowitej powierzchni, a resztę przestrzeni wypełniają śmieci, które nie ma absolutnie nic wspólnego z fabułą. Właściwie nie ma tu nic dziwnego. Zjawisko to tłumaczy się tym, że mózg blokuje część informacji wizualnych, pomagając jego właścicielowi skoncentrować się na interesującym go obiekcie. Nawiasem mówiąc, to samo dzieje się z szumem tła dowolnego pochodzenia. Gdyby nie to, z pewnością odpłynęlibyśmy w krainę szaleństwa, zwabieni olśniewającym potokiem widoków, dźwięków, zapachów, smaków i doznań dotykowych. Ale niestety to, co pomaga w życiu normalnemu człowiekowi, jest okrutnym żartem dla tych, którzy patrzą na świat przez wizjer aparatu. Na przykład artysta-malarz maluje to, co widzi, to znaczy, co zauważa. W rezultacie informacje tła, starannie zablokowane przez jego mózg, pozostają niewyrysowane, a główny obiekt zajmuje dominującą pozycję na płótnie. Fotografowie są różni. Kiedy czegoś nie zauważają, obiektyw o tym nie wie i zdradziecko naprawia wszystko, co wpadło w jego pole widzenia. Wiąże się to z dwoma kłopotami: po pierwsze, w kadrze jest masa bezużytecznych bzdur, w których temat gubi się jak dziecko w domu towarowym, po drugie, centrum zainteresowania pojawia się dokładnie na środku obrazu, co w w większości przypadków tworzy statyczną i zarazem napiętą kompozycję, nieprzyjemną dla oka.

Oczywiście najprostsza kompozycja jest jednowymiarowa. Dobrze znany każdemu, kto ma paszport. Ale to, co jest dopuszczalne w branży fotografii paszportowej, jest mile widziane w fotografii artystycznej tylko wtedy, gdy jest to jedyny możliwy sposób wyrażenia twórczych intencji. Zwykle jednowymiarowa kompozycja wskazuje na brak doświadczenia fotografa. Nawet jeśli portret jest prosty kompozycyjnie, ma co najmniej dwie płaszczyzny: twarz i tło, oświetlone w taki sposób, aby nadać obrazowi głębię (fot. 4).

Mówiąc o wielopłaszczyznowej kompozycji, chciałbym przekazać blisko tekstu to, co powiedział kiedyś Siergiej Maksimishin, znany fotoreporter i utalentowany fotograf: początkujący fotografuje fabułę „Wania jeździł na koniu”, bardziej doświadczony fotograf komplikuje kompozycję na drugim planie i usuwa kartę „Wania jechał na koniu, prowadził psa na pasku”, a bardzo doświadczony i przebiegły fotograf dodaje trzecie ujęcie, na którym „stara kobieta w tym czasie myła fikus na oknie ”. W ten sposób doświadczony fotoreporter nie tylko tworzy złożony obraz, w którym główny obiekt każdego ujęcia znajduje się w ważnym kompozycyjnie punkcie, ale także uatrakcyjnia fabułę, wprowadzając do niej konflikt (Wania i pies są zajęci jedną rzeczą, a stara kobieta jest zupełnie inna). Spójrz na zdjęcie 5.

Głównym zadaniem fotografa w procesie komponowania obrazu jest sprawienie, aby oko widza jak najdłużej zatrzymało się na zdjęciu. Idealnie nadaje się do tego wielopłaszczyznowa kompozycja z odpowiednim ułożeniem elementów. Jeśli obiekty w kadrze są nawleczone jak szaszłyk na patyku, oko przelatuje po nich z szybkością i niepowstrzymanością pociągu pancernego. W rezultacie po kilku minutach widz nie pamięta już, co było na fotografii. Ułożenie obiektów wzdłuż łamanej linii lub jeszcze lepiej po spirali sprawia, że ​​widz dłużej rozgląda się po zdjęciu.

KOMPOZYCJA I EMOCJE

Na pewno zauważyłeś, że niektóre fotografie nie tylko niosą ze sobą pewne informacje, ale także wywołują emocje. Co więcej, są obrazy, które sprawiają, że widz jest zmartwiony, smutny lub szczęśliwy w przypadku braku fabuły. Sekretem takich prac jest to, że nie tylko informacje zawarte w obrazie mają oddziaływanie emocjonalne, ale także interakcja elementów wizualnych, ze względu na ich względne położenie w kadrze.

Jeśli ważne kompozycyjnie elementy są ułożone w kadrze w taki sposób, że oko przechodzi od jednego do drugiego bez skoków i porusza się po płynnej krzywej, to taka fotografia jest odbierana bez napięcia i działa uspokajająco. Jest to szczególnie widoczne, jeśli kompozycja oparta jest na krzywej w kształcie litery S (fot. 6, 7) lub w różnych planach występują łagodne przekątne, które przecinają kadr w przeciwnych kierunkach (fot. 8).

Równoległe przekątne, w przeciwieństwie do przeciwprzekątnych, nadają obrazowi dynamikę. Jeśli działasz inteligentnie, możesz z powodzeniem połączyć różne elementy kompozycyjne w jednym obrazie. W tym przypadku ogólny efekt psychologiczny zostanie określony przez połączony efekt wszystkich elementów.

Budując kadr, należy pamiętać o różnicy między percepcją żywego oka a nieożywionej soczewki i starać się uważnie monitorować nie tylko obiekt, ale wszystko, co znajduje się w wizjerze podczas komponowania obrazu. Wyjątkiem w pewnym sensie może być kompozycja „dywanowa”, złożona w całości ze „śmieci”. Harmonię uzyskuje się tu przez powtarzające się elementy i kontrasty (fot. 9).

Dobre ćwiczenie uwagi fotograficznej: uchwyciwszy obiekt w kadrze, zbliżaj się do niego, aż wszystko, co niepotrzebne, pozostanie poza wizjerem, i wybierz taki kąt, aby główny obiekt nie znajdował się w środku pola obrazu, ale na przecięciu złote linie podziału. Chciałbym podkreślić, że na pierwszym etapie nauki fotografii lepiej nie używać optyki o zmiennej ogniskowej, tylko fotografować standardowym obiektywem. Przypomnę, że zwykły obiektyw to taki, którego ogniskowa jest w przybliżeniu równa przekątnej oprawki. I tak w świecie 35 mm będzie to około 50 mm (dla tych szczególnie korozyjnych - 43 mm), w średnim formacie 6×6 cm obiektyw o ogniskowej 80 mm będzie standardem, a do aparatu cyfrowego z matrycą formatu APS jest to 35 mm. Zdjęcie zrobione standardowym obiektywem ma ważną cechę: perspektywa na nie jest bardzo zbliżona do tego, co widzi ludzkie oko.

Komponując obraz w taki sposób, że oko jest zmuszone do przeskakiwania z jednego elementu na drugi lub gwałtownej zmiany kierunku, można uzyskać poczucie napięcia i niepokoju, które można łatwo spotęgować zaburzając kompozycyjną równowagę. Jednak przechylając horyzont, trzeba uzmysłowić widzowi, że zrobiono to celowo. Na zdjęciu 10 osiągnięto to dzięki idealnie pionowemu ustawieniu posągu i drzew w trzeciej i czwartej płaszczyźnie.

......................................................................................................................................................

Głównym zadaniem fotografa w procesie komponowania obrazu jest sprawienie, aby oko widza jak najdłużej zatrzymało się na zdjęciu.

......................................................................................................................................................

ZARZĄDZANIE SKŁADEM I UWAGĄ

Jeśli jeszcze nie słyszałeś, że główny obiekt powinien zajmować co najmniej 60% powierzchni w kadrze, a pozostałe 40% przynajmniej nie powinno od niego odwracać uwagi, to usłyszysz więcej niż raz. W rzeczywistości jest to kolejny przykład połączenia twardego dogmatyzmu z prymitywnym rozumieniem rzeczywistości. Stosując poprawnie prawa kompozycji, można zwrócić uwagę widza nawet na jedną twarz w ogromnym tłumie lub na kilka obiektów w różnych częściach kadru. Można to zrobić na kilka sposobów. Najprostszym i najczęściej stosowanym jest włączenie w kadr przekątnych prowadzących do centrum zainteresowania lub niejako przechodzących przez nie. Ponadto obiekt można wyróżnić kolorem lub tonem, a także zamknąć go w ramce, która występuje w ramce jako samodzielny element konstrukcyjny. Zdjęcie na zdjęciu 11 jest przykładem jednoczesnego zastosowania wszystkich wymienionych metod. Zastosowanie kilku technik kompozycyjnych naraz na tym zdjęciu nie jest przypadkowe. Zjawisko synergii, z którym spotkasz się nie raz na tym kursie, przejawia się w tym, że efekt skumulowany jest silniejszy niż prosta suma składników. Istotne jest tu również to, że efekt uzyskany technikami czysto kompozycyjnymi jest wzmocniony mimiką twarzy modelki, czyli elementem semantycznym. Za szczególny przypadek struktury rytmicznej (tj. ciągu powtarzających się elementów) można też uznać włączenie w kadr dwóch lub trzech przystających figur.
Istotna jest liczba obiektów znaczących działkę w kadrze. Jeśli jest to jeden lub dwa obiekty, fabuła z reguły jest prosta i bardzo trudno jest osiągnąć ekspresję emocjonalną. Jeśli w kompozycji występuje wiele elementów powiązanych relacjami, świadomości trudno jest dostrzec taki obraz.

Najwygodniej, kiedy budowanie kompozycji policz do trzech. Liczba 3 ma szczególne właściwości semantyczne, których używamy, nie zdając sobie z tego sprawy, niemal od urodzenia. Dramatyczna opowieść o trzech świnkach, rozmowa trzech dziewczynek pod oknem, perypetie trzech bohaterów po naszej stronie granicy i trzech muszkieterów po przeciwnej, na zawsze tkwią w zakręcie mózgowym każdego mniej lub bardziej piśmiennego człowieka. Nawet ci, którzy nie wiedzą, kim jest Posejdon, dobrze orientują się w liczbie zębów na symbolu własności podwodnego królestwa, a ci, którzy nie czytali Remarque, grupują się w trójki w drzwiach w bardzo konkretnym celu. Powodem psychologicznego znaczenia liczby 3 jest to, że radykalnie zmniejsza ona możliwość przypadkowości. Na przykład przypadkowe zderzenie dwóch znajomych na ulicy jest dość powszechnym zjawiskiem, ale niezamierzone spotkanie trzech zwykle wywołuje bardzo silne zdziwienie, a czasem podejrzenie, w zależności od wyników i konsekwencji tego niezwykłego zdarzenia. Ta sama prosta logika dotyczy konstrukcji obrazu fotograficznego. Jeśli są w nim tylko dwa podobne obiekty, widz może nie pomyśleć, że to było zamierzone, ale gdy są trzy powtórzenia, będzie potrzebował dodatkowego wysiłku, aby nie zauważyć intencjonalności. Więcej o ukrytych elementach obrazu opowiemy później, na kursie „Fotografia jako sposób narracji artystycznej”.

ZAMIAST WNIOSKU

Dobry fotograf nie musi dzielić kadru wyimaginowanymi liniami, a następnie układać zdjęcia w powstałe trójkąty. Zamiast tego kieruje nim wewnętrzny głos, który szepcze mu w odpowiednim momencie: wciśnij przycisk właśnie teraz! Z reguły fotografia wykonana na polecenie tego głosu jest ciekawsza, głębsza i bardziej zrelaksowana niż ta zweryfikowana mikrometrem i kątomierzem. Dlatego podczas fotografowania lepiej kierować się uczuciami, a wyniki analizować (jeśli oczywiście chcesz) później, studiując odbitkę lub patrząc na ekran komputera.

Wszystkie elementy projektu w kompozycji nigdy nie występują samodzielnie. Są ze sobą w pewnej interakcji, podlegają pewnej pojedynczej idei. Aby cała kompozycja wyglądała harmonijnie i naturalnie, a nie rozpadała się na poszczególne elementy, najlepiej kierować się podstawowymi zasadami projektowania.

Powstaje pytanie, czy można nauczyć się zasad projektowania. Wydaje mi się, że nie ma konkretnych ćwiczeń do nauczenia się tych zasad. Wszystkie te umiejętności są już osadzone w naszej percepcji. Ponieważ każdy z nas intuicyjnie wyczuwa harmonijną kompozycję, czy też nie.

Podczas budowania kompozycji należy raczej wziąć pod uwagę i przestrzegać wszystkich poniższych zasad. Trzeba umieć je dostrzec w pracach innych osób i umieć opisać swoją pracę w oparciu o te zasady. I jeszcze jedno, najłatwiej mówić o tych zasadach, gdy są one łamane. Bo gdy się je obserwuje, wszystko i tak wygląda harmonijnie.

4.1. Balansować to równowaga oddziałujących lub przeciwstawnych sił w kompozycji. W takiej kompozycji nie ma wrażenia, że ​​jakaś jej część dominuje nad wszystkim innym. Równowagę można osiągnąć dzięki odpowiedniemu umieszczeniu obiektu, jego rozmiarowi i kolorowi. Równowaga może być symetryczna (zdjęcie górne), asymetryczna (zdjęcie dolne), promieniowa (obiekty znajdują się na okręgu i rozchodzą się w jednym punkcie).

4.2. Kontrast - jest to interakcja przeciwstawnych elementów kompozycji, takich jak kolor, rozmiar, faktura itp. Przykłady kontrastu: duży i mały, szorstki i gładki, gruby i cienki, czarny i biały

4.3. Zasada ta polega na wydzieleniu tzw. centrum zainteresowania, które ma skupiać uwagę widza. Obiekty muszą znajdować się w hierarchii ważności i podporządkowania. Jeśli wszystkie obiekty mają takie samo znaczenie, uwaga użytkownika jest rozproszona.

4.4. W istocie jest to sterowanie ruchem wzroku widza, gdy porusza się on po miejscu, aby zwrócić jego uwagę na istotne elementy.

4.5. Proporcja - jest to stosunek pojedynczej części do całego obiektu, a także stosunek poszczególnych części do siebie. Ten przykład pokazuje złoty podział.

4.6. Skala - jest to rzeczywista, widoczna wielkość obiektu, rozpatrywana w stosunku do innych obiektów, ludzi, otoczenia.

Powtórzenie i rytm

Obejmuje powtarzanie elementów projektu w celu osiągnięcia określonego celu, takiego jak ustawienie kierunku spojrzenia lub ciągłość uwagi.

Jedność w różnorodności

Polega na połączeniu różnych elementów kompozycji w jedną holistyczną strukturę, podporządkowaną jednej koncepcji.

Stosowanie zasad składu.

Przekazywanie informacji.

Aby nauczyć się budować złożone schematy kompozycyjne, wyrażać swoje myśli, przekazywać ideę utworu, rozwijać w sobie poczucie jedności i równowagi, oprócz znajomości podstaw kompozycji potrzebny jest talent i wiele lat treningu. W ciągu całego istnienia sztuk plastycznych artyści, architekci i fotografowie zidentyfikowali ogromną liczbę schematów kompozycyjnych, wykorzystując szereg środków do osiągnięcia kompozycji.

Oprócz skomplikowanych dzieł sztuki, dla poprawnej prezentacji informacji równie ważne jest przestrzeganie zasad kompozycji. Niezależnie od tego, czy wykonujesz zdjęcie reklamowe dowolnego produktu, umieszczasz informację graficzną na stronie internetowej lub banerze, dostarczasz gotowy produkt do akceptacji przez klienta, nie możesz obejść się bez zbudowania kompozycji.

Podane informacje powinny znajdować się w centrum kompozycyjnym. Aby to zrobić, musi wyróżniać się na jeden z istniejących sposobów. Najlepsze jest oświetlenie. Jeśli obiekt jest jasny, umieść go na ciemnym tle. Jeśli obiekt jest ciemny - odwrotnie. Staraj się nie używać kolorowego tła, może to rozpraszać uwagę.

Nie zapomnij o uczciwości. Jeśli jest kilka obiektów, nie układaj ich losowo. Najlepiej budować je w formie prostych geometrycznych kształtów. Staraj się zachować równowagę podczas wykonywania tej czynności.

Jeśli obiekt nie powinien znajdować się na środku, lepiej umieścić go po prawej stronie, aby oko poruszało się w jego kierunku, ponieważ czytamy i oglądamy obraz od lewej do prawej.